Entretien avec Johannes Meissl
La musique prend vie lorsqu’elle est partagée
Johannes Meissl, vice-recteur et professeur de musique de chambre à la mdw de Vienne, assure la direction artistique des masterclasses de quatuor à cordes d’Ad Manaurem 1762. Dans cet entretien, il évoque les défis et la richesse du jeu collectif, l’importance d’un environnement chaleureux pour les jeunes talents et cette capacité de la musique à nous émouvoir, même après des décennies.
Johannes Meissl lors d’une séance de masterclasse
Ad Manaurem 1762 : Johannes, vous êtes une figure majeure dans la formation des quatuors à cordes. Qu’est-ce qui vous a décidé à accepter l’invitation d’Ad Manaurem 1762 comme directeur artistique de cette master classe?
Johannes Meissl : Lorsque j’ai entendu parler de ce nouveau projet, j’ai tout de suite été très intéressé. J’ai immédiatement senti que les personnes qui le portent le font avec un véritable sérieux. Il ne s’agit pas d’intérêts commerciaux, mais d’offrir à de jeunes musiciennes et musiciens une occasion particulière.
La recommandation de ma rectrice à la mdw, où je suis Vice-Recteur aux affaires internationales et aux arts, a également été décisive. Le concept — travailler pendant une semaine entière avec seulement trois quatuors et un coach, dans un environnement idéal — est quelque chose de particulier. Il permet aux jeunes ensembles d’entrer profondément, sans distraction, dans la musique et les œuvres qu’ils apportent. Il est également important que cette semaine ait un objectif clair : le concert de clôture.
Quel message aimeriez-vous transmettre aux jeunes quatuors à cordes pour leur développement musical et personnel?
Décider de se consacrer sérieusement et professionnellement au quatuor à cordes comme activité principale est une décision très importante. Cela ne signifie pas seulement travailler une musique magnifique et la jouer sur scène. C’est aussi un long voyage, dans lequel la personnalité de chacun devient directement partie intégrante du travail commun.
Dans un quatuor, des personnalités nécessairement très différentes se rencontrent. C’est un grand défi, mais il en vaut la peine. On peut recevoir énormément les uns des autres — et bien sûr aussi de cette musique extraordinaire. Le répertoire pour quatuor à cordes, par sa richesse et sa qualité, est difficilement comparable à un autre. Si l’on parvient à construire ce chemin commun de manière positive, on peut trouver dans le quatuor à cordes un accomplissement que peu d’autres formes musicales peuvent offrir.
Dans mon travail, j’essaie aussi de transmettre autant de compréhension que possible pour le langage musical propre à chaque œuvre : ses fondements, ses particularités, son articulation, son style. Ce qui m’importe moins, c’est de coller une étiquette stylistique ; ce qui m’intéresse davantage, c’est l’essence d’un langage musical. D’où vient-il ? Dans quel contexte s’inscrit-il ? Qu’est-ce qui est généralement compréhensible, et qu’est-ce qui, dans une œuvre particulière, demande une attention spécifique ? Ce n’est qu’à partir de là qu’un récit musical vivant peut naître.
Replacez-vous également la musique dans le contexte de l’époque où elle a été composée?
Oui, bien sûr. Inscrire une œuvre dans son contexte est extrêmement utile pour que les jeunes musiciennes et musiciens puissent réellement ressentir et comprendre le récit intérieur qu’elle porte.
Les langages musicaux sont indissociables de leur époque et de leur région. Il est important de savoir dans quel environnement politique, social et historique une œuvre est née. Si l’on ne comprend pas ce que les Lumières ont provoqué en Europe, on ne peut pas vraiment comprendre Haydn. Et sans connaître les conséquences de la Révolution française et l’apport de l’idéalisme allemand, on ne peut pas pleinement comprendre Beethoven.
Pour moi, ce savoir n’est pas une fin en soi. Il forme la base d’un sentiment — et ce sentiment doit ensuite pouvoir agir dans le jeu et dans l’interprétation.
Une master classe exige non seulement une perfection technique, mais aussi une compréhension profonde de la dynamique au sein de l’ensemble. Quelle importance accordez-vous à cet aspect?
La dynamique humaine à l’intérieur du groupe est très importante pour moi. Il s’agit d’essayer de respirer ensemble, de penser ensemble, de ressentir ensemble et d’aller assez loin dans l’écoute de l’autre pour rendre possible un véritable jeu commun.
Je suis convaincu que la plus haute qualité naît plus facilement lorsque la dynamique humaine est elle aussi positive. L’échange à l’intérieur des ensembles et entre les ensembles est essentiel dans toute master classe — et tout particulièrement dans une atmosphère aussi intime et concentrée qu’ici. Il ne se limite pas au travail musical proprement dit ; il se poursuit aussi lors des repas partagés ou dans de petits moments de temps libre. Cela renforce les jeunes musiciens. Souvent, ces rencontres donnent naissance à des amitiés durables.
Quelle importance a l’échange entre les générations?
J’ai joué pendant plus de quarante ans en quatuor à cordes avec les mêmes collègues, et je connais très bien l’importance d’un travail continu. Mais j’ai aussi appris combien les rencontres courtes et intensives peuvent être précieuses. Elles sont stimulantes, apportent de nouvelles impulsions et sont nécessaires pour toutes les personnes impliquées.
Cela vaut aussi pour les jeunes ensembles. Dans le meilleur des cas, ils bénéficient d’un accompagnement continu, mais ils ont également besoin, à intervalles réguliers, de ces impulsions intensives qu’une master classe peut offrir. C’est pourquoi je crois profondément à un « à la fois l’un et l’autre », et non à un « soit l’un, soit l’autre ».
Ad Manaurem 1762 accorde une grande importance à une atmosphère familiale. Que peut apporter un tel environnement?
Une atmosphère familiale est très importante, car elle atténue une partie de la pression à laquelle les jeunes musiciennes et musiciens sont de toute façon exposés. Le monde de la musique est compétitif et exigeant, y compris pour les jeunes quatuors à cordes.
À Ad Manaurem 1762, il se crée un environnement qui n’augmente pas la pression, mais qui ouvre un espace. L’atmosphère détendue et familiale, ainsi que le sentiment que beaucoup de choses sont prises en charge, permettent aux jeunes ensembles de se concentrer sur l’essentiel : la musique, le travail commun et leur propre développement.
Comment avez-vous personnellement vécu cette semaine?
Pour moi, ce fut une très belle expérience, notamment grâce à l’hospitalité chaleureuse qui a été offerte non seulement aux ensembles, mais aussi à moi-même.
Il y a eu, en réalité, des moments particuliers chaque jour. La possibilité de travailler dans ce magnifique ancien château de La Marthonie a été une impression très forte. Le fait que le propriétaire du château accompagne tout cela avec une telle évidence est également remarquable. Les organisateurs ne font pas seulement les choses bien ; ils les font avec enthousiasme, conviction, dévouement et un amour évident pour ce projet. Pour moi, c’est une expérience très belle et très profonde.
Que représente la musique pour vous, personnellement?
La musique est ma vie. J’ai fait ce choix quand j’étais jeune, et l’amour de la musique ne m’a jamais déçu. Une œuvre merveilleuse peut encore me fasciner aujourd’hui autant qu’il y a des décennies. Elle éveille toujours en moi le désir de la redécouvrir avec d’autres et de la ramener à la vie.
Je crois que la musique peut donner à beaucoup de personnes quelque chose qu’elles ne trouvent pas ailleurs. C’est pourquoi nous ne devons pas simplement attendre que les gens viennent dans les salles de concert traditionnelles. S’ils ne viennent pas à nous, nous devons aller vers eux. C’est ce qui se fait dans de nombreux projets : dans des lieux sociaux ou thérapeutiques, dans des concerts pop-up, dans des endroits où cette musique n’est peut-être pas présente habituellement.
Une expérience en direct est un événement partagé. La musique redevient vivante au moment où elle résonne. C’est précisément là que réside sa force particulière.
Selon vous, peut-on aussi envisager la musique classique sous un angle contemporain et moderne?
Absolument. Dans l’histoire de la musique, aucun grand compositeur ne s’est jamais considéré lui-même comme « classique ». Tous étaient des compositeurs contemporains, modernes pour leur époque.
Pour moi, tout est possible. Ce qui est décisif, c’est que cela se fasse au plus haut niveau instrumental et artistique — avec identification, conscience et un véritable amour de la musique. Alors la musique continuera aussi à vivre dans l’avenir.
Souhaitez-vous ajouter quelque chose pour conclure cet entretien?
Je voudrais encore une fois remercier très sincèrement Ad Manaurem 1762 de m’avoir permis d’être ici. Je souhaite à ce projet un avenir magnifique et durable, et je suis très curieux de voir comment il continuera à se développer.
